Misa en si menor y Bach. Llevar una vida de soltero

Terminado en 1749, muchos años después de la muerte del autor comenzó a llamarse Alto. Esta obra impresiona tanto por la grandeza de la escala como por la profundidad del pensamiento, y las palabras del autor, escritas por él en 1733, cuando envió dos partes de la futura Misa al Elector de Sajonia, parecen aún más extrañas: "Le pido que mire con una mirada favorable no por el mérito de la composición ... su misericordia". Para el compositor era importante lograr la "misericordia" de Friedrich August: esperaba convertirse en músico de la corte.

No se han escrito tantas misas, porque este género se formó en el culto católico, y el compositor era luterano, por lo que más a menudo creaba partes separadas de la misa, que todavía estaban incluidas en el culto luterano. La creación de la Misa completa se debió en cierta medida a circunstancias políticas: el Elector de Sajonia, a quien estaba dedicada la obra, también ocupaba el trono polaco y por lo tanto se convirtió al catolicismo. Pero, ¿es posible imaginar que una obra tan profunda pueda nacer del deseo de complacer solo a un mecenas potencial? Es poco probable que este sea el caso. Probablemente, el compositor necesitaba la forma establecida de la misa para crear esta majestuosa "catedral en música", cuya "construcción" tomó un total de aproximadamente un cuarto de siglo, desde 1724 hasta 1749, e incluso más tarde el autor aún hizo correcciones separadas a la partitura.

Incluso en la Edad Media, había una misa de cinco partes. Sus componentes reflejan el desarrollo espiritual que debe recorrer un cristiano en el proceso de adoración (se puede decir que la Misa es una “pequeña vida” para un creyente, que vive muchas veces en su continuo ascenso espiritual). Comienza con una súplica de perdón y misericordia - Kyrie, continúa con la alabanza de Dios - Gloria, seguida de un breve resumen de los fundamentos de la doctrina cristiana - Credo, después de lo cual un extracto del Libro del profeta Isaías - Sanctus (" Santo, santo, santo") y Jesús es glorificado al final. Cristo es Agnus Dei. Todas estas partes también están presentes en la Misa en si menor de Bach, pero el compositor parece estar apretado dentro de ellas: cada uno de los números contiene varias partes.

La primera parte, Kyrie, consta de tres secciones. El primero y último son coros polifónicos lúgubres del mismo texto, el primero de los cuales es una fuga de cinco partes y el segundo es una fuga de cuatro partes. El tema de la primera fuga está lleno de cromatismos y entonaciones tritonales, la segunda es más ascética. Entre estas fugas lúgubres se encuentra el dúo "Christe eleison", sostenido en tonos ilustrados.

Esta esfera de la alegría, opuesta al mundo del dolor, se desarrolla en Gloria. La combinación de entonaciones de fanfarria y cánticos jubilosos del coro se complementa con el sonido solemne de las trompetas en la orquesta. Laudamus, aria de soprano, destaca por su lirismo, que se ve acentuado por el solo de violín que acompaña a la soprano. En "Qui tollis" ("El que aceptó los pecados del mundo") vuelve la estructura emocional y la tonalidad de Kyrie, pero este coro, con su sonido de cámara y su solo de flauta de fondo, parece más elegíaco que trágico.

Entre los números que componen la tercera parte - Credo - un lugar especial lo ocupan tres coros, que se sitúan en el centro de la composición. El primero de ellos habla de la encarnación de Jesucristo (“Et incarnates”), la crucifixión (“Crucifiхus”) y la resurrección (“Et resurrexit”). La culminación trágica de la misa es el "Crucifixus". Según la tradición establecida, para la historia del sufrimiento y muerte del Salvador se utiliza la forma de variaciones en basso ostinato. El tema, que representa el movimiento a lo largo de la escala cromática desde el primer paso hasta el quinto, se repite trece veces. En las variaciones polifónicas superpuestas, no hay una sonoridad continua; en su lugar, hay voces emergentes dispersas, en las que domina la segunda entonación lúgubre. A esta tristeza universal se contrapone el coro jubiloso de "Et resurrexit": una melodía dirigida hacia arriba, a partir de un cuarto movimiento, la entrada simultánea del coro y de toda la orquesta, incluidas las trompetas.

El coro Sanctus luce especialmente majestuoso por su lento movimiento, y los aniversarios de voces femeninas, trompetas y timbales en la orquesta le dan un carácter de júbilo. La quinta parte es la más concisa. El aria más penetrante de la viola - Agnus Dei - contrasta con la solemne fuga coral.

Durante la vida del creador, la obra nunca se representó en su totalidad, solo se interpretaron algunas partes y, en general, la misa era demasiado grande para el uso de la iglesia. Recién en 1859 tuvo lugar la primera representación pública bajo la batuta de Karl Riedel en Leipzig.

Temporadas de música

Emitir: soprano I, soprano II, alto, tenor, bajo, dos coros, orquesta.

historia de la creacion

“¡Serenísimo Elector, clemente soberano!
Con profunda reverencia traigo a Vuestra Alteza Real esta humilde obra de mi habilidad, que he logrado en la música, y humildemente os pido que la miréis con una mirada favorable, no según el mérito de la composición misma, que está mal compuesta, pero basada en tu misericordia conocida en el mundo ... ”- con estas palabras, Bach en 1733 acompañó el envío de dos partes de una de sus más grandes creaciones - Misa en h-moll - Kyrie y Gloria al Elector de Sajonia Friedrich August. Un protestante que sirvió en la Alemania protestante, Bach escribió principalmente música para la interpretación en las iglesias luteranas. Es cierto que, según la reforma de Lutero, se permitían secciones separadas de la Misa en el culto protestante, pero Bach no escribió la Misa católica completa por casualidad, como tampoco fue por casualidad que la dedicó al elector sajón. El caso es que Friedrich August también era rey de Polonia, un país invariablemente comprometido con el catolicismo, y por lo tanto él mismo se convirtió al catolicismo. Desde 1717, su corte en Dresde se convirtió oficialmente en católica. De ahí la atracción natural de Bach por este género (de Friedrich August recibió el título de compositor de la corte y en los años siguientes, queriendo mostrar su diligencia, le envió varias misas más, compuestas principalmente de cantatas escritas previamente).

Bach creó la Misa en h-moll a lo largo de muchos años. El lejano prototipo del Sanctus, según los investigadores, data de 1724. El compositor hizo las últimas enmiendas a la partitura hasta el día en que finalmente se quedó ciego en 1750.

El género de la misa se ha desarrollado históricamente en forma de una obra de cinco partes, que consta de una súplica de perdón (Kyrie), un himno de alabanza y acción de gracias (Gloria), una parte dogmática - un credo (Credo), una parte litúrgica culminación tomada del Libro de Isaías del Antiguo Testamento (Sanctus), y una conclusión, glorificando al Señor Jesucristo (Agnus Dei). Al principio se leía el texto de la misa, luego se empezó a cantar. Durante algún tiempo, ambas formas coexistieron, pero en el siglo XIV finalmente tomó forma una única forma musical. Mass h-moll Bach es increíblemente grande en comparación con los tradicionales. También contiene cinco partes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, pero estas a su vez se dividen en varios números separados.

La parte 1 consta de Kyrie eleison (Señor, ten piedad), Christe eleison (Cristo, ten piedad) y Kyrie eleison II.

La 2ª parte contiene ocho números: Gloria in excelsis Deo (Gloria a Dios en las alturas), Laudamus te (Te alabamos), Gratias (Gracias), Domine deus (Señor Dios), Qui tollis peccata mundi (Llevar los pecados de el mundo), Qui sedes ad dextram Patris (El que está sentado a la diestra del Padre), Quoniam tu solus sanctus (Y sólo Tú eres santo), Cum sancto spiritu (Con el Espíritu Santo).

La 3ª parte incluye Credo in unum Deum (Creo en un solo Dios), Patrem omnipotentem (Padre Todopoderoso), Et in unum Dominum Jesum Christum (Y en un solo Señor Jesucristo), Et incarnatus est (Y encarnado), Crucifixus etiam pro nobis (Crucificado por nosotros), Et resurrexit tertia die (No (Y resucitado al tercer día), Et in spiritum sanctum (Y en el Espíritu Santo), Confiteor unum baptista (Confieso un bautismo).

Hay tres números en la cuarta parte: Sanctus Dominus Deos (Santo Señor Dios), Osanna (Ayúdanos), Benedictus (Bendito).

La parte 5 consta de dos números: Agnus Dei (Cordero de Dios) y Dona nobis pacem (Danos la paz).

La Misa en h-moll es una creación grandiosa en la que el compositor ha estado trabajando durante décadas. Aproximadamente dos tercios consiste en música previamente escrita, pero es una sola composición. La 1ª parte de la misa, en un principio como obra independiente, fue completada por el compositor en 1733, pero se desconoce la fecha de su primera interpretación. Hay información sobre la primera representación del Sanctus el 25 de diciembre de 1724, Kyrie y Gloria el 21 de abril de 1733 en Leipzig, así como una mención de la celebración de la Misa en 1734. Hay constancia de que la segunda y la tercera partes se crearon entre agosto de 1748 y octubre de 1749, después de lo cual se ha reunido la partitura completa, que incluía la Misa de 1733 como la primera parte y Sanctus como la cuarta parte. Desafortunadamente, no hay información sobre su interpretación durante la vida del compositor.

Música

La misa en h-moll es producto de la mayor sabiduría filosófica, humanidad, profundidad de sentimientos. Sus imágenes, sufrimiento, muerte, dolor y, al mismo tiempo, esperanza, alegría, júbilo, asombran con profundidad y fuerza.

El movimiento 1, Kyrie, en tres números, se abre con un coro sombrío, seguido de una fuga, primera orquesta. Su tema lúgubre, como retorciéndose en agonía, está lleno de la más profunda expresividad. Al comienzo de la 2ª parte, Gloria (No. 4), las trompetas suenan alegres, ligeras. El coro retoma el jubiloso tema, proclamando la gloria. Aquí dominan amplias melodías cantarinas. Destaca especialmente la nº 5, Laudamus, un aria de soprano acompañada por un solo de violín, como si una de las voces del coro estallara con su canto lírico. En el 3er movimiento, Credo (núms. 12-19), dominan los contrastes dramáticos. En el No. 12, Credo in unum Deum - una amplia y estricta melodía de canto gregoriano pasa secuencialmente (en imitación) entre todas las voces del coro en el contexto del movimiento solemne y medido de los bajos orquestales. El n.° 15, Et incarnatus, vuelve a las imágenes lúgubres. Las notas bajas pesadas y medidas parecen estar presionando hacia abajo, los "suspiros" de las cuerdas suenan lastimeramente. Una melodía sencilla, estricta, llena de sufrimiento oculto, es entonada por el coro. Las voces se superponen una encima de la otra, creando un rico tejido musical. La lúgubre reflexión conduce al siguiente número (núm. 16), Crucifixus, el clímax trágico de la Misa, la historia del sufrimiento del Salvador en la cruz. En este conmovedor episodio, escrito en el espíritu del aria de lamento italiano, Bach utilizó la forma de pasacalles. Trece veces aparece la misma melodía en el bajo: un movimiento cromático mesurado y sombrío que desciende constantemente. Sobre su fondo aparecen acordes separados de instrumentos de cuerda y de madera, fragmentarios, como suspiros y lamentos, réplicas del coro. Al final, la melodía desciende más y más, muere y, como si estuviera agotada, muere. Todo está en silencio. E inmediatamente, con un amplio y jubiloso chorro de luz, todos se inundan con los sonidos del coro Et resurrexit (n. 17), cantando la Resurrección, la victoria de la vida sobre la muerte. Los movimientos 4º y 5º combinados abren con una majestuosa cámara lenta del coro Sanctus (núm. 20) con voces femeninas celebrando aniversarios. En la orquesta, fanfarria de trompetas, sonido de timbales. No. 23, Agnus Dei: un aria de viola conmovedora con una melodía flexible, acompañada por el canto expresivo de los violines. El número final de la Misa, el n.° 24, Dona nobis pacem, himno solemne en forma de fuga sobre dos temas, repite exactamente el coro n.° 6, Gratias.

L. Mijeeva

Misa - un ciclo de cantos seleccionados por la Iglesia Católica para ser realizados durante el servicio diario. Los cánticos estaban estrictamente legalizados, cantados en latín y seguidos en cierto orden. Cada canto tomó su nombre de las primeras palabras de la oración: 1. "Kyrie eleison" ("Señor, ten piedad"), 2. "Gloria" ("Gloria"), 3. "Credo" ("Creo") , 4. "Sanctus" ("Santo"), 5. "Benedictus" ("Bendito"), 6. "Agnus Dei" ("Cordero de Dios").

Bach trabajó en la misa durante varios años, desde 1733 hasta 1738. La Misa en si menor es una de las creaciones más majestuosas de la cultura musical mundial. La idea de esta obra es grandiosa, el pensamiento en sus imágenes musicales y poéticas es extraordinariamente serio y profundo. En ninguna de las obras más magníficas alcanza Bach tanta sabiduría de generalizaciones filosóficas ni tanta fuerza emocional como en la Misa.

Con una rara libertad artística, Bach traspasa los límites establecidos para la música ritual católica y, dividiendo cada una de las partes de la Misa en una serie de números, eleva su número total a veinticuatro (quince coros, seis arias, tres dúos).

En la misa, Bach estaba ligado por un texto religioso y una forma tradicional y, sin embargo, es imposible clasificar la Misa en si menor incondicionalmente como una obra de iglesia. En la práctica, esto se confirma por el hecho de que no solo durante la vida de Bach, sino también en épocas posteriores, la misa en si menor no se realizó durante el servicio. Esto no fue permitido por la gran complejidad y significado del contenido, el tamaño gigantesco y las dificultades técnicas que el cantante común y el coro de iglesia promedio no pudieron superar. La misa en si menor es una composición de un plan de concierto que necesita habilidades de interpretación profesional.

A pesar de que cada número musical se basa en un texto de oración, Bach no se fijó como objetivo la encarnación detallada de las palabras de la oración. Frases cortas, palabras proclamadas por separado dieron lugar en su imaginación creadora a todo un complejo de ideas asociativas y conexiones artísticas, fuertes sentimientos y sensaciones que no podían fijarse. Con la música, Bach revela la riqueza interior de las imágenes poéticas, la infinidad de matices de los sentimientos humanos. Dos palabras: "Kyrie eleison" - Bach es suficiente para crear una grandiosa fuga a cinco voces.

A lo largo de la primera parte, compuesta por tres números independientes (coro a cinco voces nº 1, dúo nº 2, coro a cuatro voces nº 3), se pronuncian cuatro palabras: "Kyrie eleison", "Christe eleison".

Para Bach, la misa resultó ser el género que, en sus condiciones contemporáneas, resultaba más adecuado para el desarrollo de grandes ideas e imágenes filosóficas de profundidad.

El mundo de los pensamientos y aspiraciones humanas parece inmenso en la Misa. Con igual inspiración, Bach captura imágenes de tristeza, sufrimiento e imágenes de alegría, júbilo.

Ambos se revelan en toda la variedad de matices psicológicos: en el patetismo trágico y la concentración sombría del primer y segundo coro de "Kyrie eleison" (ver ejemplos 75, 76), en la suave tristeza de "Qui tollis" (" Tú, que asumiste el mundo de los pecados") o en los lamentos lúgubres del "Crucifixus" (ver ejemplos 77, 78), en la brillante tristeza del aria "Agnus Dei" (ver ejemplo 79); arrebatos de alegría, el deseo de vida en el victorioso y solemne, lleno de alegría e inspiración, los coros "Gloria", "Et ressurexit", "Sanctus" (ver ejemplos 74, 75, 76) o en el aria idílica, pastoral "Et in spiritum sanctum".

Estructuralmente, la misa en si menor es una serie de números individuales cerrados. En la mayoría de ellos, tiene lugar un desarrollo complejo de una imagen musical, que da cabida a todo un complejo de sentimientos y pensamientos. La integridad estructural y la independencia de cada coro, aria o dúo se combinan con la integridad y solidez de toda la composición. El principal principio dramático de la misa es el contraste de imágenes, que se profundiza continuamente de sección a sección. No solo se contrastan grandes partes de la misa, como "Kyrie eleison" y "Gloria", "Credo" y "Sanctus"; Se observan contrastes no menos agudos, a veces sorprendentes, dentro de estas partes e incluso dentro de algunos números individuales (por ejemplo, en "Gloria").

Cuanto más concentrado es el dolor, más trágico alcanza, más fuerte el levantamiento y más deslumbrante la luz del episodio que viene a reemplazarlo. Por ejemplo, en el centro Credo, que consta de ocho salas, hay varias asociadas a la imagen de Jesús: "Et incarnatus", "Crucifixus", "Et ressurexit". Cada uno de los números anteriores está completamente terminado y se puede realizar por separado. Pero tal como sucede en algunas obras cíclicas instrumentales -sonatas, sinfonías- el concepto ideológico, la dinámica de las imágenes artísticas y poéticas unen los tres números con una línea de desarrollo interno. Et incarnatus habla del nacimiento de un hombre que tomará sobre sí los pecados del mundo; en "Crucifixus" - sobre la crucifixión y muerte de Jesús; en "Et ressurexit" - sobre su resurrección. Como siempre ocurre con Bach, las páginas dedicadas a Jesús, el hombre que sufre, son las más penetrantes y ricas emocionalmente.

El movimiento de las imágenes musicales conduce al crecimiento más fuerte de los elementos trágicos. El dolor desesperado, una sensación de fatalidad en "Et incarnatus" se profundiza con una terrible imagen de la muerte, el dolor humano en "Crucifixus". Tanto más impactante es el efecto dramático producido por el repentino estallido de deleite, la alegría que todo lo abarca en "Et ressurexit".

En oposición a la muerte y al poder de la vida que todo lo conquista, el significado oculto de este ciclo peculiar. Varios aspectos de una misma idea constituyen el contenido principal de toda la obra.

La misa en si menor corona la obra de Bach. Se trata de la Misa en si menor, una obra en la que se revela con la mayor profundidad la verdadera naturaleza del arte de Bach, complejo, poderoso y bello.

V. Galatskaya

Además del Magnificat, Bach recurrió a otros géneros de música de culto a los textos litúrgicos latinos. En la segunda mitad de la década de 1930, en Leipzig, escribió al menos cinco Misas en latín. En ese momento, el culto en la corte real sajona se realizaba de acuerdo con el rito católico, y cuatro misas breves (F-dur, A-dur, g-minor y G-dur) estaban destinadas a ser ejecutadas directamente por la Capilla Real de Dresde. . Su música en su mayor parte fue tomada prestada por el compositor de cantatas escritas anteriormente. En cuanto a los números recién compuestos para estas obras, hay páginas asombrosamente hermosas, especialmente en las misas F-dur" noah y A "dur" noah.

Bach también escribió obras en el género Sanctus, que, como saben, son una parte integral del servicio católico, fueron escritas en el texto de culto eclesiástico latino. La autoría del compositor se puede considerar precisamente establecida en relación con dos opus's de este género, escritas en Leipzig en los años 20: C-dur y D-dur. La autenticidad del resto se considera dudosa.

Sin embargo, todas estas cosas palidecen por completo ante la famosa Misa mayor en h-moll, que el compositor comenzó a escribir en la primera mitad de los años 30 (a más tardar en 1733) y terminó en 1738. Esta obra es la culminación final más majestuosa de el camino creativo del maestro.

Recuérdese que Bach se alejó de la tradición ritual, ampliando el ciclo de seis partes consagrado por la iglesia en una composición monumental con veinticuatro números combinados en cuatro grandes partes: Kyria, Gloria, Credo, Sanctus.

La Misa tiene quince coros, tres dúos y seis arias. La composición de los intérpretes: coro mixto (de cuatro a ocho voces), solistas (sopranos I y II, contralto, tenor, bajo), orquesta (dos flautas, tres oboes, dos oboes d'amore, dos fagotes, tres trompetas, trompa, timbales, cuerdas), órgano y bajo continuo.

El destino de la Misa Mayor es insólito e instructivo. Por su naturaleza de género, formalmente pensado como si fuera un culto eclesiástico, casi nunca se ha representado y no se representa en la iglesia hoy en día, lo que provoca una actitud fría, si no hostil, en los círculos clericales. Esto se explica únicamente por la naturaleza interna, el contenido figurativo de la propia música de Bach, sobre el cual se ha escrito mucha falsedad histórica y estética en la musicología burguesa. Algunos se inclinan a asumir que la Misa fue creada bajo la influencia de circunstancias mundanas y motivos mercantiles puramente externos. Otros tratan de reducirlo a interpretaciones musicales de textos de oración, al simbolismo sonoro del compositor-espiritualista (A. Pirro). Aún otros creen que Bach buscó recrear en la música con la mayor precisión posible todas las vicisitudes y accesorios del servicio dominical y sus sacramentos (F. Wolfrum). Finalmente, A. Schweitzer, A. Hayes plantean una hipótesis sobre la intención utópica del compositor de reunir simbólicamente a la iglesia cristiana occidental dividida a través de su trabajo en la síntesis de los ritos y dogmas protestantes y católicos.

Pero la música testifica irrefutablemente contra estas interpretaciones obviamente falsas y unilaterales. En términos de escala, medios expresivos y composición de los intérpretes, la Misa claramente no está destinada al servicio ritual dentro de los muros de la iglesia, sin mencionar las cualidades estéticas que son características de su concepto y estructura figurativa.

En cuanto a las circunstancias en las que se creó la obra (la conocida dedicatoria de Kyrie y Gloria a Federico Augusto de Sajonia, etc.), estas circunstancias realmente confirman el amargo pensamiento de Lessing sobre el "arte que pide pan". Sin embargo, tampoco explican el origen de la Misa Mayor y mucho menos su contenido interior. Después de muchas cantatas, después de oratorios, pasiones y el Magnificat, Bach escribió la Misa en si menor, no por necesidad económica, sino por motivos internos de su naturaleza moral, filosófica y estética. Es esta obra la que en la forma más pura y clara revela el concepto filosófico y ético del compositor con sus fortalezas y, en cierto sentido, sus debilidades. Era religioso y por lo tanto eligió para su propósito un culto, y no cualquier otro género y texto de oración tradicional. Además, la música en sí misma, a pesar de toda su belleza, no está completamente desprovista de elementos de éxtasis religioso, contemplación, tal vez incluso desapego (en Credo). Pero no importa en qué medida las opiniones y los estados de ánimo religiosos influyeron en el compositor cuando escribió su creación, los impulsos del gran artista humanista resultaron ser más fuertes y esto determinó el resultado final: en general, características básicas, la idea de la Misa y su encarnación musical son profundamente humanas y llenas de belleza terrenal artísticamente verdadera.

De oratorios, Magnificat, pasiones, difiere extremadamente. No captura imágenes de la vida, festivas o cotidianas. No hay narración de hechos ni escenas dramáticas en él, aunque elementos legendarios, pictóricos y especialmente dramáticos están parcialmente presentes en algunas de sus partes individuales. El verdadero alcance de la Misa Mayor son los ideales humanos en su expresión ética y estéticamente generalizada.

El contemporáneo más joven de Bach, Johann Joachim Winckelmann, habló de la belleza generalizadora que surge en el camino de una representación ideal de los fenómenos. Bach no escribió ni pudo escribir recitativos para la Misa: no habría nada de qué hablar en ellos y no habría nadie para hablar en nombre de ningún personaje. Además, la Misa fue creada, por supuesto, principalmente para los alemanes, y el texto latino tradicionalmente de culto en el que se escribió la música ya estaba muy lejos del pueblo alemán en ese momento. Además, en algunos números (por ejemplo, los primeros coros de Kyrie, donde se cantan enormes fugas en sólo dos palabras “Señor, ten piedad”) el sentido del texto es más bien formal; en otros (por ejemplo, en el aria de bajo en La mayor “Y en el Espíritu Santo”), la música entra en completo conflicto con las palabras y el dogma clasicista que ordena a la música “seguir los pasos del poeta” (Winckelmann ) es violado:

Las imágenes musicales y poéticas de la Misa expresan los pensamientos y sentimientos del compositor fuera de todo acontecimiento (epos) y sin personajes (drama). Este es un gran poema lírico-filosófico de plan sinfónico, y en su música la vida es generalmente captada a través de la esfera lírica.

El sinfonismo, incluso cuando se aplica a la primera mitad del siglo XVIII, significa la encarnación de una sola idea a través de un desarrollo amplio y multifacético de imágenes contrastantes. De hecho, tal contraste se encuentra en el corazón de la Misa Mayor. ¿Cuál es su carácter poético-expresivo? Imágenes de sufrimiento, de dolor, de sacrificio, de humilde oración, de amargo patetismo, tan propias de las Pasiones, de las cantatas trágicas, y, por otro lado, imágenes de alegría, de luz, del “triunfo de la verdad” que dominan la Cantata de la Reforma y el Magníficat, se funden aquí en una síntesis gigantesca, a la que Bach no volvió nunca más, ni antes ni después de la Misa Mayor. De nuevo está cerca de Lessing, quien escribió sobre el Filoctetes de Sófocles: “Sus gemidos son de hombre; acciones - al héroe; y de estos dos lados surge la imagen de un héroe humano, que no es mimado, no es insensible, sino que representa el más alto ideal alcanzado por la sabiduría y el arte del artista. Por primera vez en el período prebachiano, la idea del ascenso desde las profundidades, "del sufrimiento a la alegría" recibió una expresión orgánica y decidida de una forma tan amplia y claramente generalizada.

De ahí los dos principales temático esferas que dominan el vasto ciclo de veinticuatro movimientos, y sobre todo en sus coros asombrosamente diversos y perfectos. Uno de ellos podría, utilizando las mismas categorías estéticas de Lessing, definirse como el tematismo del dolor y el sufrimiento. La gama de sus medios expresivos es amplia, pero algunos de ellos dominan claramente, definiendo la estructura emocional de la música: una escala menor (predominantemente armónica), líneas melódicas que se despliegan lentamente, a menudo en enlaces secuenciales, saturadas de entonaciones cromáticas intensamente expresivas, una patrón de melodía complejo y finamente detallado. Las figuras rítmicas están dominadas por ostinatos uniformes, tranquilos y pronunciados durante mucho tiempo. La sombría armonía en las fases tensas del desarrollo se complica con secuencias elípticas, las modulaciones enarmónicas la atraviesan y aparecen armonías agudamente disonantes en los picos culminantes: acordes de séptima reducidos, acordes no dominantes, tríadas aumentadas que estimulan el movimiento y la expresión de la lírica. declaraciones:

En el tejido polifónico de estos coros predomina la luz, la transparencia, aunque no siempre es así. La orquesta es modesta en coloración sonora y tímbrica. Casi en todo el flujo sonoro, los factores formativos actúan y se equilibran entre sí, por un lado, elevando el tono del enunciado y, por otro lado, preservando la medida de lo que es estéticamente permisible para él. Estos son "suspiros, lágrimas", llenos de grandeza de espíritu, y en ninguna parte, excepto, quizás, en la introducción. Adagio, "no se convierten en grito ni en llanto" (Lessing).

Pero esta tendencia general es diferenciada, se manifiesta de manera muy diferente en el patetismo indomable y abiertamente vertida del primer Kyrie de cinco partes y su inspirado preludio orquestal; en la "llama interior" de la fuga cromática en cuatro partes emocionalmente restringida del segundo Kyrie; en la letra suplicante y poética de la cámara Qui tollis (“Tú, que has tomado sobre ti el pecado del mundo, no rechaces nuestras humildes oraciones”), coloreada con una encantadora figuración instrumental; en el paso frío e impasible del arcaico Credo gregoriano; en el majestuoso y elevado melos Incarnatus ("Y encarnado" (fragmento "Creo")); en antiguas variaciones de Crucifixus, multifacético y trágico; finalmente, en la enorme doble fuga Confiteor (Sobre el arrepentimiento de los pecadores y la absolución de los pecados), con sus repentinos cambios de entonación y contraste interno (¡la innovadora interpretación audaz y fructífera del coro de Bach!).

Toda esta “esfera de sufrimiento”, además de la estructura de entonación común, tiene su propia tonalidad unificadora: h-moll (con su dominante fis-moll natural y su subdominante e-moll), y una sola línea de movimiento: una amplia, exposición emocionalmente intensa en Kyrie, un avance: un episodio elegíaco en medio de la gloria himnicamente ligera (queja-súplica Qui tollis), un clímax trágico en Credo cerca del punto de la sección dorada del ciclo (Crucifixus), finalmente, desvaneciéndose ecos, reminiscencias en las arias menores de la apoteosis final (Sanctus). Esta es una línea de desarrollo que se desvanece.

Otra área temática contrastante de la Misa podría definirse como el área de luz, acción y alegría. Es ella quien constituye la dominante de todo el ciclo, no solo armónicamente (DIII), sino también según la intención filosófica y poética del compositor. Encarna, a la manera de Bach, la meta ideal de la humanidad y el camino que conduce a esta meta. Las imágenes principales y más activas de esta esfera también están contenidas en los coros, pero de una calidad expresiva y un significado directamente opuestos. Está dominado por el modo diatónico mayor, líneas vocales amplias, dinámico-energéticas, a menudo con un contorno de acordes-fanfarria (aquí Bach está a veces cerca de Haendel), con subidas pronunciadas y caídas suaves. En algunos lugares están ricamente decorados con figuraciones - vocalizaciones jubilosas - aniversarios:

Y la armonía es más diatónica, se mueve principalmente a lo largo de estrechos grados de parentesco. El ritmo es recogido, activo, variado, vivo. El ritmo es rápido y el logro es velozmente rápido: la conquista de los picos culminantes. Casi todos los coros de este grupo son también fugas o incluyen fugas. Sin embargo, los elementos homofónicos se expresan mucho más en ellos, y esto se debe a su naturaleza de género: algunos son himnos populares (Gratias), otros son coros de baile (Gloria, Osanna), otros son coros de marcha (Cum sancto spiritu, Sanctus) . La presentación es rica y masiva, la orquesta tiene más brillo, brillantez, incluso militancia de sonido (trompetas, timbales). Todo esto es música bastante secular, mundana, de vida activa. Ella respira poder, la verdad del ser y se eleva muy por encima del texto arcaico y místico. La tonalidad unificadora de esta esfera de luz y alegría es D-dur. De los ocho coros, siete están escritos en Re mayor, que corresponde a los principios generales de la estética y la armonía de Bach: D-dur - su tonalidad de triunfo heroico, la tonalidad del Magnificat y la Reforma Cantata.

Las imágenes de este círculo también tienen su propia línea especial de formación y desarrollo. No lo son de inmediato. El “pequeño ciclo” de ocho movimientos de Gloria que sigue a Kyrie es su enorme exposición contrastante. En Credo son dejados de lado y oscurecidos por contemplaciones religiosas, lúgubres cortejos fúnebres, lamentaciones. Pero la fuerza activa que los llena no se ha secado y nuevamente se declara en voz alta; dos veces irrumpe irresistiblemente en los coros de Et resurrexit y hacia el final de Confiteor. El Sanctus triunfal de cinco partes encarna la afirmación final y completa de este reino temático de luz y acción. Aquí la línea de desarrollo se mueve dinámicamente hacia arriba.

En consecuencia, la dramaturgia de la Misa es tal que sus esferas contrastantes aspiran en direcciones opuestas. Kyrie y Gloria forman su exposición con relación tonal h-D (pasos I-III). Credo es una especie de medio de desarrollo de una gran composición, tonalmente la más inestable, con episodios, suspensiones, giros y vueltas. Allí, los comienzos contrastantes son llevados dos veces al acercamiento directo, y dos veces el primero (sufrimiento) se resuelve en el segundo (gozo). Sanctus, lleno de poder, energía y luz, el gran clímax final, puede definirse como una repetición dinámica incompleta, tonal (D-dur), y en parte temática: el último coro de Dona nobis pacem repite Gratias.

Además de los principales elementos figurativos y temáticos del ciclo, contiene otro que ya no es independiente, pero sí importante: se trata de las arias y dúos de la Misa. Según el texto, están incluidos de manera completamente orgánica en la composición general, especialmente en Credo, donde el coro pasa dos veces las frases inacabadas del verso de oración a los solistas. La música de estos números difiere notablemente de la de los coros. Tienen un plan de cámara acentuado, un acompañamiento de cámara y soberbiamente finamente instrumentado: cuerdas, continuo, a veces con flautas y oboes d'amour. También son excelentes en apariencia de género. Pastorales (duet Christe eleison), minuetos, (aria Quoniam tu solus sanctus ), sicilianas (aria Et in spiritum sanctum), arias y conjuntos del estilo coloratura (aria Laudamus, duet Et in unum dominum Jesum Christum). Con una interpretación magistral, naturalmente, pequeños cánones de sonido fresco se entretejen en la textura homofónica. -Arias patéticas, que tan a menudo culminan en pasiones, estas pequeñas formas de la Misa son muy lejanas. En la mayoría de los casos, su música es más un plan intermedio - alegre, a veces casi cotidiana, juguetona, que no exige nada más alto de la audiencia. la ruptura con el texto litúrgico es aquí completa y definitiva, a veces produce en nosotros una impresión casi paradójica.El papel dramático de estos peculiares interludios es muy significativo. r, pero, introduciendo en la Misa un elemento de secularización, emocionalmente vívido, lleno de sangre, a veces abiertamente conectado con la canción popular y los géneros existentes, superó objetivamente cada vez más la apariencia ritual y de culto de su obra. El claro colorido armónico derramado aquí, las melodías juguetonas y conmovedoras crean un ambiente brillante y animado que rodea el conjunto del coro.

Estas páginas líricas de cámara de la partitura contribuyen a la formación de la principal tendencia del ciclo que afirma la vida. Incluso al comienzo de la misa, el kyrie triste y sombrío (h-moll, fis-moll) es interrumpido por un dúo idílico en re mayor de dos sopranos. Esta brecha es un presagio de la próxima Gloria. La trágica culminación de la misa en el centro de Credo, que recuerda a un antiguo fresco del templo que se desvanece de vez en cuando, está enmarcada por episodios de música mundana que suenan festivos: un dúo de coloratura brillante, casi a la manera de Handel. de soprano y alto en G-dur y el aria de bajo elegante y juguetona de Mozart, donde en lugar de Dios, el Espíritu Santo, sobre el cual se transmite místicamente el símbolo de la fe, hay personajes bastante alegres y temperamentales de "Don Juan" o "La boda de Fígaro". Estos también son números: los precursores de la apoteosis cercana D-dur "- Sanctus. Por el contrario, dos pequeñas arias elegíacas están inscritas en la brillante y triunfante composición festiva de Sanctus "a antes del coro final: Veneductus h-moll, tenor ) y Agnus Dei (g-moll, alt). El patetismo sobrio de su línea vocal de patrón errante y sinuoso, ritmo inquieto y cambiante, entonaciones tensas (tritonos en Agnus Dei), frecuentes desviaciones de armonía y arrebatos intensos - secuencias forzadas que conducen a alturas melódicas - suenan como el último bello y triste sombras de una tragedia superada, "fragmentos de tinieblas desgarradas". Esto también está grabado en relieve en las teclas elegidas por Bach. Benedictus - todavía en el "tónico de oscuridad y dolor" original - h-moll; Agnus Dei ya está en la subdominante menor de la nueva y definitiva tónica D-dur. El efecto de "aclarar la sombra" se logra aquí de manera sorprendentemente sutil y clara.

Por lo tanto, las imágenes "intermedias" se ubican muy cerca de la línea principal de desarrollo y actúan como factores en su formación.

Tal es la dramaturgia de la obra más profunda y sinfónica de Bach.

K. Rosenshield

Durante su vida, Bach no se interpretó en su totalidad, solo las dos primeras partes que a veces usaba en los servicios dominicales.

La Misa en si menor se llama la confesión filosófica de Bach, la expresión más completa de su actitud ante el mundo. Al igual que en las Pasiones, el compositor revela aquí su ideal de vida, refiriéndose a esa altura de una persona que no está sujeta al tiempo: la disposición a la realización moral, al sacrificio personal.

El contenido filosófico de la Misa se materializó en una forma monumental e innovadora que amplió enormemente el alcance del canon tradicional.

Como saben, el ritual de la Misa, el rito central del culto católico, ha evolucionado a lo largo de muchos siglos; Los textos de oración también fueron seleccionados durante mucho tiempo. En el siglo XI, el texto de la misa fue canonizado y fijado en la siguiente secuencia:

Kyrie eleison ("Señor, ten piedad");
Gloria ("Gloria");
Credo ("Yo creo");
Santus ("Santo");
Agnus Dei ("Cordero de Dios").

Como forma musical, la Misa se desarrolló en el siglo XIV. Y si antes las melodías del canto gregoriano se asignaban a partes separadas, con el tiempo la música adquirió un significado artístico independiente.

Habiendo conservado las principales partes canonizadas, Bach amplía su alcance al separar cada sección de texto en un número separado: hay 24 en total. Cada parte aparece como una composición estrictamente pensada. A nivel de las partes, se puede observar la acción de varios factores de unidad. Esta es una agrupación interna de números y varios arcos temáticos y conexiones tonales.

Además, la constante alternancia de plantas monumentales y de cámara juega un importante papel unificador en la dramaturgia de la Misa. La planta monumental está representada por coros desplegados. A ellos debe la Misa la grandeza de su alcance. El segundo plan, lírico de cámara, consta de dúos, 3 coros (nº 8, 15, 16) y 6 arias.

En la Misa en si menor se generalizaron dos mundos figurativos principales de la música de Bach: el mundo del sufrimiento, el dolor profundo y el mundo de la luz, la alegría, el júbilo, el triunfo. La comparación repetida de estas esferas brillantemente contrastantes forma la base de un desarrollo efectivo y verdaderamente sinfónico.

La línea de desarrollo de la esfera del dolor y el sufrimiento se origina en la Parte I - "Kyrie". Se basa en el tradicional de tres partes para esta sección de la misa: 2 coros lúgubres con el mismo texto "Kyrie eleison" rodean el dúo brillante "Christe eleison". Ambos coros se sostienen en un almacén polifónico (el primero es una fuga a 5 voces, el segundo es a 4 voces).

El primer coro se acerca al espíritu de las pasiones, da pie a la idea de una procesión de personas aplastadas por el dolor. El tema de la fuga se distingue por un color menor lúgubre, abundancia de cromatismos, intervalos de tiempo (tritonos, mente 7), énfasis en la “entonación de un suspiro”, inestabilidad ladotonal (desviación en e-moll), y el predominio de un movimiento rítmico uniforme a un ritmo lento. En él se combinan entonaciones melodiosas con giros declamatorios.

El segundo coro "Kyrie" representa una lectura completamente diferente del mismo texto: en su música no hay una súplica apasionada, sino un rigor ascético. El coro se sustenta en el espíritu de estricta polifonía del siglo XVI.

La exposición de la segunda esfera - alegría y júbilo - es "gloria"(aunque el No. 2 - el dúo brillante y sereno "Christe eleison" - ya ha esbozado parcialmente esta línea).

La música del coro "Gloria" (Nº 4) es como un himno de alabanza. Su tema comienza primero en la orquesta, en la que destaca la sonoridad festiva de las trompetas. Luego el coro se une a la orquesta con las palabras "Gloria a Dios en las alturas".

La melodía del coro combina entonaciones de fanfarria con vocalizaciones virtuosas, donde una sílaba del texto se canta en muchos sonidos (este tipo de melodía proviene de “aniversarios”). El movimiento ligero y preciso en 3/8 recuerda la música de las suites de danza de Bach. Este coro hace eco con su estado de ánimo general solemne-triunfante con otros coros D-dur tanto en la parte II como en la IV (Santus) de la Misa.

Si bien la II parte de la misa generalmente se sostiene en colores festivos, continúa desarrollando la línea de duelo proveniente de los coros de Kyrie, en particular, en el número central - coro No. 8, qui tollis(“Tú que has aceptado los pecados del mundo”). Aquí vuelve la tonalidad de h-moll, la música vuelve a acercarse a las pasiones en espíritu. Sin embargo, su carácter es más bien conmovedor, elegíaco que doliente, el sonido es de cámara. La principal característica individual es la melodía de la flauta solista, que crea un fondo para las voces corales.

El contenido principal de la parte III ( Credo) se concentra en los tres coros intermedios, donde se narra brevemente cómo Cristo tomó forma humana (n. 15, "Et encarna"- “Y estando encarnado”), padeció y fue crucificado (n. 16, "Crucifijo"- “Crucificado”), y luego resucitado (n. 17, "Et resurrexit"- "Y resucitado"). Estos tres coros son el centro ideológico y figurativo de toda la obra. Los coros nº 15 y 16 están conectados por un contenido común: ambos continúan la línea lúgubre de la misa, siendo "Crucifixus" su punto culminante, la trágica culminación de la misa.

Este número se puede llamar un lamento coral. Su música encarna la imagen trágica de la crucifixión, el martirio, que atrajo a muchos pintores de los siglos XVI y XVII, incluidos los alemanes (Grunewald, Dürer). En música, las variaciones del basso ostinato se consideraban la forma ideal para incorporar dicho contenido. Bach retoma esta tradición. El tema subyacente a las variaciones es una sección de la escala cromática del grado I al grado V. Se repite 13 veces invariablemente, cambiando la armonía cada vez.

Las variaciones armónicas de la orquesta se combinan con las variaciones polifónicas del coro. Desde el principio, no hay una guía de voz continua: las voces aparecen como dispersas, "incoherentemente", repitiendo la misma entonación de dolor, descendiendo m.2.

La yuxtaposición de este coro con el siguiente, el No. 17, forma el contraste más llamativo dentro de toda la Misa. La esencia del contraste es la transición de la muerte a la resurrección. "Et resurrexit"- este es el pináculo en el desarrollo de imágenes de júbilo y triunfo, y todo el complejo de medios expresivos tiene como objetivo encarnar un sentimiento de alegría que lo consume todo. En los primeros compases, toda la orquesta con trompetas entra simultáneamente con el coro. Rasgos indudables del concierto festivo (comparación de diferentes registros, brillantez virtuosa). Se utiliza la naturaleza del movimiento y el ritmo de la polonesa. La melodía, que comienza con una enérgica cuarta ascendente, se esfuerza incontrolablemente hacia arriba, mientras que su estructura es simétrica.

En la 5ª, la parte más concisa de la misa (sólo 2 números), se desvanecen todos los fuertes contrastes figurativos: no contiene nada festivamente triunfal ni agudamente trágico. Queda el recuerdo de la tragedia vivida en el aria contralto (Nº 23, "Agnus Dei" - "Cordero de Dios") y fortaleza, tranquila confianza en el coro final. La música del coro es una repetición del número 6 "Gratias" ("Gracias"), pero con palabras diferentes: "Dona nobis pacem" ("Danos la paz").

La expresión de tristeza en el aria tiene un matiz de mansedumbre y dulzura, su contenido principal es la tristeza apaciguada.

La tonalidad es característica, no h-moll o e-moll, sino g-moll. Esta clave - menor S-ta D-dur - es un vínculo entre las imágenes de tristeza (menor) y alegría (mayor).

Misa en si menor de J. S. Bach

La obra maestra más monumental y de gran escala de Johann Sebastian Bach aún hoy colecciona grandes salas de conciertos. La música hermosa penetra en lo más profundo del corazón y despierta los pensamientos y aspiraciones más elevados de una persona. Es asombroso cuán fuerte puede ser la influencia que la creación del hijo del hombre puede tener en otras personas.

Masa

Casi todos los compositores, en un grado u otro, se volcaron a la música sacra. También hubo quienes escribieron exclusivamente para los servicios de la iglesia. Son poco conocidos por el gran público. Los grandes autores, que entraron en la historia de la cultura musical mundial, escribieron con mayor frecuencia versiones de concierto de himnos litúrgicos sobre el texto canónico. El tema de la relación entre el hombre y Dios es uno de los más profundos, filosóficos, que permite expresar una gama muy compleja de sentimientos y pensamientos humanos.

La Misa como género musical se desarrolló alrededor del siglo XIV-XV. Tradicionalmente, incluía las partes más significativas del servicio litúrgico en el catolicismo:

Kyrie eleison (Señor, ten piedad);
Gloria (Gloria);
Credo (Símbolo de Fe "Creo");
Sanctus (Santo);
Agnus Dei (Cordero de Dios).

Los nombres están tomados de las palabras iniciales de las oraciones del culto. El texto religioso se mantuvo siempre invariable y fue interpretado por el coro y los solistas, acompañados de cuerpo en latín. Más tarde, comenzaron a escribirse misas solemnes con sonido orquestal. La misa católica siempre ha sido más pomposa y colorida incluso para una actuación en la iglesia, sin mencionar el escenario. En comparación con él, el servicio ceremonial ortodoxo es más modesto, los eclesiásticos condenaron activamente los efectos externos, e incluso también se escribieron obras destinadas al escenario. PI. chaikovski, S.V. Rachmaninov, SI. Taneev y muchos otros apelan a la voz interior del alma humana. Mientras que la Misa Católica glorifica la grandeza y el triunfo del Dios Absoluto. Estas características también son visibles en la música.

historia de la creacion

Bach trabajó en esta obra monumental durante más de una docena de años. Comenzando a escribirlo en 1724, terminó alrededor de 1749. Pero al mismo tiempo, la mayor parte del material musical incluido (dos tercios) fue tomado de obras escritas anteriormente, y el compositor hizo correcciones hasta su muerte. La Misa en si menor se convirtió para él en el centro de toda su obra creativa, en un pináculo y en una ofrenda a ese poder dador de vida que lo dotó de un don musical extraordinario.

El mismo Johann Sebastian era luterano por religión. Pero el elector (gobernante), a cuyo servicio estaba, se convirtió al catolicismo, convirtiéndose en rey de Polonia. Gradualmente, toda la corte de Dresde cambió al catolicismo. Bach, que en ese momento era un compositor de la corte con un salario muy sólido y, en relación con esto, tenía una gran libertad artística, se esforzó por cumplir con sus deberes a conciencia. Así hubo varios oratorios, misas y cantatas.

Por primera vez, las notas de las dos primeras partes ("Kyrie" y "Gloria") las envió a su gobernante en 1733, acompañadas de una modesta petición de apreciarlas no en su verdadero valor, sino en la mayor misericordia del soberano. En ese momento, esperaba obtener el puesto de director de orquesta de la corte, después de 4 años lo tomó.

Los investigadores han presentado muchas suposiciones sobre lo que sirvió como motivo principal para la creación de este majestuoso y grandioso trabajo. Según una versión, Bach esperaba completarlo con la apertura de una nueva iglesia en Dresde a fines de la década de 1740. Pero su construcción se retrasó hasta 1751. El año anterior, en 1750, había muerto Johann Sebastian Bach.

También se supuso que se esperaba en forma terminada para un determinado evento en Viena en la Catedral de San Esteban. Esta información se basa en la relación de Bach con cierto funcionario de alto rango, el conde Johann Adam von Questenberg. Pero lo más probable es que se tratara del rendimiento de algunos números.

Y, sin embargo, la mayoría de los bajovistas se inclinan a creer que el propio compositor buscó expandir significativamente las posibilidades de interpretar música sacra, tal vez él mismo, con la intuición inherente al genio, previó el desarrollo posterior del arte musical y su papel en la vida. de la sociedad.

El manuscrito se ha conservado en los archivos del segundo hijo conocido de Johann Sebastian, Philipp Emmanuel Bach. También es dueño de la introducción orquestal antes de "Credo", que estaba ausente en la partitura del autor. Presuntamente, el nombre "Alto" para la misa apareció con la mano ligera del editor Zimrok en 1845.

Misa mayor de Bach en si menor

Johann Sebastian Bach vivió en una época en que los compositores eran apoyados económicamente por la Iglesia y la aristocracia. Toda su vida trabajó en varias parroquias como organista. Además, era bien conocido en la Alemania protestante como un excelente organista, maestro y músico. También tuvo la oportunidad de trabajar como director de orquesta de la corte y una figura pública destacada, componiendo música para eventos de entretenimiento y ceremonias. Así, en toda su vida escribió más de 1000 obras de carácter secular y espiritual.

La Misa H-moll se convirtió en la obra central de toda su obra. Su genio lo pensó y diseñó durante mucho tiempo. Aunque los críticos de arte afirman oficialmente que trabajó en él desde 1733 hasta 1738, hay evidencia de que la idea bien podría haber aparecido ya en 1724. Teniendo en cuenta la grandeza de la idea, esto sería bastante natural.

El enfoque de Bach para repensar la Misa es significativamente diferente al tradicional de esa época. Principalmente contenido. En su obra reina una profunda reflexión filosófica, una especie de monólogo y una apelación a Dios en nombre de un mortal. Esta no es una oración en su sentido clásico, el concepto ideológico de tal llamado es mucho más profundo. Las palabras del texto canónico aquí más bien ayudan a "hablar" el idioma apropiado. Pero el drama se construye de acuerdo con todas las leyes del drama: hay conflicto, oposición, muchos contrastes, imágenes de tristeza, humildad, alegría y rabia, la ira es completa y completa.

Bach tomó los números tradicionales y los amplió significativamente, agregando varias secciones adicionales a cada uno. Como resultado, toda la Misa en si menor contenía 24 números. Es obvio que durante la vida de Bach esta forma musical no pudo encarnarse: requiere la más alta habilidad de los intérpretes, que no está disponible para el coro de la iglesia, y en el espacio secular no había un formato para escuchar una obra musical tan compleja. en un texto religioso (como ahora - un concierto). Pero se realizaron números separados ("Kyrie", "Gloria").

Los objetivos y motivos que impulsaron al compositor a crear esta obra maestra siguen siendo objeto de debates científicos. Carl Emmanuel Bach (el hijo de Johann Sebastian, que se hizo famoso un poco menos que su padre), lo llamó la Gran Misa Católica. La primera representación de toda la misa está documentada en 1859. A mediados del siglo XIX, fue ampliamente reconocida como una de las mejores composiciones de la historia de la música, y hoy es considerada la mejor obra vocal y coral.

Música de la Misa en si menor

En forma, este es un producto cíclico cerrado, que consta de 24 números. Cada uno de ellos se puede realizar por separado, todos juntos tienen muchos elementos unificadores: este es el plan tonal y los llamados "arcos temáticos", la secuencia de números. La expansión del número de números, manteniendo el texto original sin cambios, se hizo posible al separar las frases individuales de la oración en una obra completa. Esto también permitió al compositor colocar sus propios acentos semánticos en el contenido.

La riqueza de las imágenes de la misa es asombrosa. Aquí hay dolor, gozo callado, regocijo solemne, esperanza, sufrimiento. El compositor transmite toda la gama de verdaderos sentimientos humanos con asombrosa autenticidad y poder. Sobre la comparación contrastada de imágenes, la alternancia de partes corales y solistas, de cámara y tutty, se construye el principio básico del desarrollo dramático, similar al sinfónico. En esto, el autor también se adelantó a sus contemporáneos que trabajaban en el estilo polifónico.

Los instrumentos de la orquesta y los medios musicales encarnan imágenes líricas. Así, el tema de la pena y el sufrimiento (que comenzó en el primer número de “Kyrie eleison”) es transmitido por el sonido de las cuerdas, la melodía está dominada por cromatismos menores, muchos, “entonaciones de un suspiro”. El tema de la meditación ligera y tranquila se expresa mediante instrumentos de viento de madera, traste mayor, giros suaves y armoniosos, textura transparente. El tema del triunfo y afirmación de la fe se desarrolla en metales, en mayor, en entonaciones ascendentes. El cambio de colores del timbre apoya orgánicamente la idea de oposición.

Misa abre con una fuga a cinco voces « Kyrieeleison". El poderoso fuerte introductorio es como el grito de los pecadores que claman por perdón. Este es el arrepentimiento colectivo de toda la raza humana, simbolizado por el coro. Dividida en 3 partes, la oración “Señor, ten piedad” en el centro tiene un verso ligero contrastante “Christe eleison” (Cristo, ten piedad), que se convertirá en prototipo de la futura celebración en “Gloria” (“Gloria”). . Un desarrollo figurativo complejo de extremo a extremo se basa en un mecanismo similar de entrelazar imágenes de diferentes esferas en el material musical y dramático.

Escuchar una pieza tiene un tremendo impacto en el oyente. Escrita con la mayor destreza compositiva y psicológica, hace más de 250 años, hoy no sólo no ha perdido su actualidad. Es más necesario, más claro y más accesible al pensamiento del hombre moderno que en la época en que fue creado.

Datos interesantes

En esta obra, Bach no solo reprodujo sus obras anteriores, sino que también aportó mucho de aquellos compositores que vivieron antes que él o al mismo tiempo que él, de los que ya sabemos poco ahora, pero que lo inspiraron.
ES. Bach no nombró la Misa. Guardó notas en 4 carpetas, cada una tenía su propio título: "Missa" ("Kyrie" y "Gloria"), "Symbolum Nicenum" ("Símbolo de la fe" - "Credo"), "Sanctus" y "Osanna".
Hay 2 autógrafos de la obra. Uno contiene una partitura de 1733 escrita en Dresde (parte de "Kyrie" y "Gloria"). El segundo es un autógrafo completo con todos los cambios realizados por el autor antes de 1749, heredado por CPE Bach ("Hamburg" o "Berlin" Bach, hijo de Johann Sebastian Carl Philipp Emmanuel).
Una de las versiones por las cuales la misa tiene un segundo nombre “Alto” es que, a diferencia de las cantatas, pasiones, oratorios, que no tienen un propósito directo para ser ejecutados durante el servicio, la verdadera órbita de sus ideas son los ideales éticos y estéticos de una persona ordinaria.
La Misa fue admirada por muchos compositores destacados, reconociendo su significado excepcional y el estándar de los temas líricos y filosóficos en la música.

Práctica Moderna de Actuación e Interpretación

En la partitura sobreviviente, la composición para la interpretación de la misa está indicada por la mano del autor: coro (alrededor de 15 personas, incluidos los solistas), 2 violines, 1 viola, continuo, 2 flautas, 2 oboe(o 3), tres tubería, timbales. En el pasado, el arte de la interpretación de conciertos se ha transformado significativamente. Ha recorrido un largo camino, siendo influenciado por aquellas innovaciones que aparecieron en la música.

Por lo tanto, a menudo se puede escuchar la interpretación de música antigua en varias interpretaciones. Por lo tanto, la Misa en si menor de Bach se interpretó durante mucho tiempo bajo la influencia de tendencias románticas: una tendencia a ralentizar, intensificar todos los matices, monumentalización. Un ejemplo es la interpretación de una misa dirigida por el director Karl Richter. Su interpretación ahora se considera clásica, es menos similar a la versión original de I.S. Bach y en general sobre el estilo de la música barroca, pero tiene un valor artístico incondicional.

En contraste, hay una interpretación auténtica del autenticista belga (flamenco) Philippe Herreweghe (n. 1847). Recrea completamente el estilo interpretativo correspondiente a la era de Bach, y utiliza instrumentos antiguos. Esta ejecución más estricta, incluso ascética, sin embargo, influye en la música misma en lo más profundo del alma humana.

Los intérpretes populares de la Misa en si menor también incluyen a Helmut Rilling, Frans Bruggen, John Elliot Gardiner.

Misa en si menor Johann Sebastian Bach considerado el logro más alto en la cultura musical académica. Este es el nivel más alto de comprensión de la naturaleza terrenal y sublime, encarnada en la música. Solo las composiciones verdaderamente geniales se vuelven cada vez más importantes para la humanidad después de siglos.

Video: escucha misa en si menor

Emitir: soprano I, soprano II, alto, tenor, bajo, dos coros, orquesta.

El género de la misa se ha desarrollado históricamente en forma de una obra de cinco partes que consta de una súplica de perdón (Kyrie), un himno de alabanza y acción de gracias (Gloria), una parte dogmática - un credo (Credo), una culminación litúrgica tomado del Antiguo Testamento Libro de Isaías (Sanctus), y una conclusión, glorificando al Señor Jesucristo (Agnus Dei). Al principio se leía el texto de la misa, luego se empezó a cantar. Durante algún tiempo, ambas formas coexistieron, pero en el siglo XIV finalmente tomó forma una única forma musical. Mass h-moll Bach es increíblemente grande en comparación con los tradicionales. También contiene cinco partes: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei, pero estas, a su vez, se dividen en varios números separados.

La parte 1 consta de Kyrie eleison (Señor, ten piedad), Christe eleison (Cristo, ten piedad) y Kyrie eleison II.

Hay tres números en la cuarta parte: Sanctus Dominus Deos (Santo Señor Dios), Osanna (Ayúdanos), Benedictus (Bendito).

La parte 5 consta de dos números: Agnus Dei (Cordero de Dios) y Dona nobis pacem (Danos la paz).

La misa en h-moll es una gran creación en la que el compositor ha estado trabajando durante décadas. Aproximadamente dos tercios consiste en música previamente escrita, pero es una sola composición. La 1ª parte de la misa, en un principio como obra independiente, fue completada por el compositor en 1733, pero se desconoce la fecha de su primera interpretación. Hay información sobre la primera representación del Sanctus el 25 de diciembre de 1724, Kyrie y Gloria el 21 de abril de 1733 en Leipzig, así como una mención de la celebración de la Misa en 1734. Hay constancia de que la segunda y la tercera partes se crearon entre agosto de 1748 y octubre de 1749, después de lo cual se ha reunido la partitura completa, que incluía la Misa de 1733 como la primera parte y Sanctus como la cuarta parte. Desafortunadamente, no hay información sobre su interpretación durante la vida del compositor.

Música

El movimiento 1, Kyrie, en tres números, se abre con un coro sombrío, seguido de una fuga, primera orquesta. Su tema lúgubre, como retorciéndose en agonía, está lleno de la más profunda expresividad. Al comienzo de la 2ª parte, Gloria (No. 4), las trompetas suenan alegres, ligeras. El coro retoma el jubiloso tema, proclamando la gloria. Aquí dominan amplias melodías cantarinas. Destaca especialmente la nº 5, Laudamus, aria de soprano acompañada de un solo de violín, como si una de las voces del coro irrumpiera con su canto lírico. El tercer movimiento, Credo (núms. 12-19), está dominado por contrastes dramáticos. En el n.° 12, Credo in unum Deum, una amplia y estricta melodía de canto gregoriano pasa secuencialmente (en imitación) por todas las voces del coro en el contexto del movimiento solemne y medido de los bajos orquestales. El n.° 15, Et incarnatus, vuelve a las imágenes lúgubres. Las notas bajas pesadas y medidas parecen estar presionando hacia abajo, los "suspiros" de las cuerdas suenan lastimeramente. Una melodía sencilla, estricta, llena de sufrimiento oculto, es entonada por el coro. Las voces se superponen una encima de la otra, creando un rico tejido musical. La lúgubre reflexión conduce al siguiente número (núm. 16), Crucifixus, el clímax trágico de la Misa, la historia del sufrimiento del Salvador en la cruz. En este conmovedor episodio, escrito en el espíritu del aria de lamento italiano, Bach utilizó la forma de pasacalles. Trece veces aparece la misma melodía en el bajo: un movimiento cromático mesurado y sombrío que desciende constantemente. Sobre su fondo aparecen acordes separados de instrumentos de cuerda y de madera, fragmentarios, como suspiros y lamentos, réplicas del coro. Al final, la melodía desciende más y más, muere y, como si estuviera agotada, muere. Todo está en silencio. E inmediatamente, con un amplio y jubiloso chorro de luz, todos se inundan con los sonidos del coro Et resurrexit (n. 17), cantando la Resurrección, la victoria de la vida sobre la muerte. Los movimientos 4º y 5º combinados abren con una majestuosa cámara lenta del coro Sanctus (núm. 20) con voces femeninas celebrando aniversarios. En la orquesta, fanfarria de trompetas, sonido de timbales. No. 23, Agnus Dei: un aria de viola conmovedora con una melodía flexible, acompañada por el canto expresivo de los violines. El número final de la misa, el nº 24, Dona nobis pacem es un himno solemne en forma de fuga sobre dos temas, repitiendo exactamente el coro nº 6, Gratias.

L. Mijeeva

Cuanto más concentrado es el dolor, más trágico alcanza, más fuerte el levantamiento y más deslumbrante la luz del episodio que viene a reemplazarlo. Por ejemplo, en el centro Credo, que consta de ocho salas, hay varias asociadas a la imagen de Jesús: "Et incarnatus", "Crucifixus", "Et ressurexit". Cada uno de los números anteriores está completamente terminado y se puede realizar por separado. Pero tal como sucede en algunas obras cíclicas instrumentales -sonatas, sinfonías- el concepto ideológico, la dinámica de las imágenes artísticas y poéticas unen los tres números con una línea de desarrollo interno. Et incarnatus habla del nacimiento de un hombre que tomará sobre sí los pecados del mundo; en Crucifixus, la crucifixión y muerte de Jesús; en "Et ressurexit" sobre su resurrección. Como siempre ocurre con Bach, las páginas dedicadas a Jesús, el hombre que sufre, son las más penetrantes y ricas emocionalmente.

En oposición a la muerte y al poder de la vida que todo lo conquista, está el significado oculto de este ciclo peculiar. Varios aspectos de una misma idea constituyen el contenido principal de toda la obra.

V. Galatskaya

Céline Scheen: soprano
. Yetzabel Arias: soprano
. Pascal Bertin: contratenor
. Makoto Sakurada: tenor
. Stephan Macleod: bajo

Le Concert des Nations y La Capella Reial de Catalunya